J’apprécie beaucoup la culture cyberpunk (la preuve : je suis maître de jeu sur le jeu de rôle du même nom), j’ai malheureusement une culture assez limitée sur le sujet. J’ai lu assez peu de livre sur le sujet, je sais que je dois lire Neuromancien par exemple mais je n’ai pas encore trouvé le temps de m’y mettre. J’ai par contre pu récemment découvrir Appleseed, souvent cité comme exemple pour le cyberpunk dans la japanimation. Appleseed est originellement une série de manga de Masamune Shirow crée entre 1985 et 1989 adaptée une première fois en anime en 1988. Mais c’est les adapations suivantes qui m’intéressent dans cet article : 2 long métrage d’animation, l’un en 2004 (nommé simplement Appleseed) et l’autre en 2007 (Appleseed Ex Machina). Les deux sont réalisés en 3 dimension avec des personnages en cell-shading et même si l’on peut facilement voir l’évolution graphique entre les deux films, on est obligé de constater que c’est joli dans les deux cas, et pourtant je n’apprécie que peu le cell-shading.

Pour ceux qui ne sont pas familier avec le terme “cyberpunk” (ou ceux qui comme moi ont tendance à oublier ce qu’il représente précisemment), voici la définition donnée par Wikipedia : Le Cyberpunk est un sous-genre de la science-fiction décrivant un monde dystopique et dont l’origine remonte au début des années 1980. Arrêtons-nous là dans la définition et faisons un détour par le mot “dystopie” : Une dystopie est un récit de fiction, parfois raccordé à la science-fiction, se déroulant dans une société imaginaire, inventée par les écrivains, afin d’exagérer et ainsi montrer des conséquences probables. Voila, c’est plus clair d’un seul coup. On peut donc ça résumer par une exagération des conséquences de la technologie sur le monde humain. Dans un univers cyberpunk, on peut souvent voir (tout ou partie) des prothèses mécaniques, des cyborgs, des modifications génétiques, une matrice (une amélioration virtuelle de l’internet en gros mais on pourrait faire tout un article dessus), des hackers de génie, des gros robots, des exosquelettes… C’est très rarement un monde agréable – et par rarement, j’entends quasi jamais – dans lequel souvent un cataclysme s’est produit ou est sur le point de le faire. On suit souvent les aventures de rebelles, de militaires ou tout du moins de gens d’action (parfois des politiques mais eux mêmes sont souvent capables de se battre).

En dehors de la matrice, on peut trouver tout ça dans Appleseeed. On suit les aventures de Deunan Knut et Briareos Hecatonchires qui sont, outre les heureux possesseurs de noms à coucher par terre, deux soldats d’une extrême compétence et d’anciens partenaires de combat. Le second a cependant subit une expérience malheureuse qui lui a fait perdre son corps. Il est donc maintenant un cyborg intégral et l’on ne pourra s’empêcher de se demander tout au long des deux films pourquoi dans un monde si technologiquement évolué n’a-t-on pas pu lui fournir un meilleur corps même s’il dispose de capacités assez saugrenues (j’y reviendrai). Apprécions donc les oreilles de lapins cybernétiques, un gros œil vert fournis avec les 4 petits yeux supplémentaires pour le même prix. Ces deux là évoluent comme membre d’une brigade spéciale d’intervention : les E.S.W.A.T. (le E est peut-être expliqué dans le manga, pas dans les films) dans la ville d’Utopia, une ville dirigée par des bioroids. Ces bioroids sont des humains génétiquements modifiés à la naissance pour ne plus ressentir de désirs, de haine ou tout autre sentiment négatif. Ce sont donc de parfaits dirigeants, incorruptibles et toujours capable de prendre des décisions raisonnables sans être affectés par des sentiments mal placés, y compris l’envie de voir leurs enfants prendre leur place puisqu’ils ne peuvent enfanter.

Bien évidemment, ça ne se passe pas aussi bien que l’on pourrait l’espérer : les bioroids sont différents et par conséquents, sujets au racisme. Le premier film est basé sur le traitement réservés aux bioroids, la bêtise humaine face au pouvoir et sur la possibilité de considérer comme humain, voire même d’aimer un cyborg ou un être génétiquement modifié. Le deuxième film, moins profond, nous présente les dangers des technologies à la mode.

Les scènes d’actions – et c’est encore plus flagrant dans le 2e film – sont classiques mais respirent la classe. Des explosions de partout, des arts martiaux impressionnants : c’est bien orchestré et ce sont les meilleurs moments. Les scènes philosophiques sont intéressantes et laissent à réfléchir mais sont loin du niveau de Ghost in the Shell (ce qui n’est pas forcément un tort). Les incohérences sont par contre trop présentes : la technologie ne pouvant tout expliquer (une gigantesque installation à base de cube flottant dans l’air sans que personne soit au courant par exemple) et il est peu crédible de voir un cyborg intégral, sans bouche, tousser. Malgré tout, ces scènes permettent de se marrer un bon coup au milieu de tous ces moments sérieux même si ce n’est probablement pas l’effet escompté.

La musique quant à elle n’est pas du tout mon style. Si les influences électro du premier film sont supportables et s’intègrent bien à l’ambiance, les bruits utilisés pour composer la bande originale du second film me sortent par les yeux. C’est un problème que l’on retrouve dans beaucoup d’oeuvres futuristes : pour représenter le futur, on utilise de l’électronique qui bien souvent n’est rien d’autre qu’un amas de bruit créé par ordinateur dans le but de faire un rythme simpliste et à mon goût désagréable. Même si pour les scènes d’actions, on bénéficie en prime d’un type qui gueule (façon MAXIMUM THE HORMONE) à se demander pourquoi il s’ennuie à écrire des paroles si c’est pour que personne ne puisse les comprendre. Il est décidément bien difficile d’apprécier le futuriste sans apprécier la musique dite moderne.

Pour résumer, Appleseed permet de passer un bon moment si on aime les combats et le cyberpunk. ça ne changera pas votre vie mais vos passerez un bon moment.

Je n’ai pas vraiment pour habitude de parler des réalisateurs dans mes articles (c’est sûrement un tort) mais 0080 a été le premier Gundam réalisé par un autre que le créateur original de l’histoire : Yoshiyuki Tomino. 0080 a donc été réalisé par Fumihiko Takayama qui il a travaillé sur Bubblegum Crisis, RahXephon et Sword of a Stranger entre autre. L’important est surtout la différence de réalisation. Comme dit précédemment, on suit pour la première fois un personnage qui ne sera pas un pilote exceptionnel en raison de ses compétences de newtype mais un jeune garçon élevé sur une colonie neutre, fan de méchas et de leurs pilotes, qui va découvrir assez violemment et à ses dépends la réalité et l’horreur de la guerre. Outre ce changement de point de vue, on remarque aussi des graphismes très différents (et à mon goût, plutôt moches) des séries précédentes. Le character design a été réalisé par Haruhiko Mikimoto, connu pour son travail sur Macross, mais le passage à l’animation a fait perdre beaucoup de charme aux personnages. On constate également une bien plus grande efficacité des armes des méchas. On peut ainsi voir un GM (un modèle de Gundam fait pour la production de masse) tomber après s’être pris 3 balles ou encore un Zaku détruit par 4 ou 5. On est loin de l’utilisation à outrance des fusils laser qui n’arrivent même pas à détruire un Zaku après lui avoir explosé littéralement une jambe et un bras dans le Gundam original (bon, ok, il était rouge donc il était mieux). Bref, le monde de 0080 est beaucoup plus mortel que dans les autres séries.

On suit donc l’histoire de Alfred Izuruha pendant la One Year War : Zeon est proche de la capitulation mais continue à résister aux assauts de la Fédération. La Fédération est d’ailleurs en train de développer une nouvelle version du Gundam, le RX-78NT-1 (nom de code : Alex) sur la colonie neutre de notre héros. Un groupe de soldats de Zeon est chargé de le détruire. Parrallèlement, on suit Bernard “Bernie” Wiseman, jeune officier de Zeon qui est assigné à l’équipe Cyclope dans le but de détruire le Gundam Alex. Cependant, Bernie va se faire repérer par Al et ce dernier va se comporter en petit frère fan et risquer bien souvent de compromettre leur opération. Bien que jeune, cependant, Al fera preuve d’une très grande capacité à inventer des mensonges crédibles rapidement et n’hésite pas pour cela à utiliser sa jeunesse à son avantage. Difficile d’en dire plus sans spoiler tout le charme de cette série mais on pourra voir très rapidement une amitié se forger entre Al et Bernie.

Le chemin du visionnage de tous les Gundams est parfois difficile (à l’heure où j’écris ces lignes, je suis en train de regarder le mouton noir de la série : ZZ mais j’en reparlerai *sigh*) mais War in the Pocket offre un petit moment de fraicheur au milieu de tous ces héros qui jouent leur vie pour leur gagne-pain. Suivre un enfant qui n’a qu’un rapport finalement assez lointain avec les combats est original et offre un point de vue nouveau sur la série : celui des gens qui subissent les actions des militaires. Le point de vue des civils est d’ailleurs vite abandonné dans la saga Gundam et on y reviendra pour Gundam 00 (~ 20 ans plus tard). On a donc l’occasion de voir les gens qui désapprouvent les combats proches de leurs lieux d’habitation, ceux qui ont tout perdu et ceux qui, comme le héros de l’histoire, sont en admiration devant les méchas et leur monstrueuses possibilités et les pilotes, élevés au rang de super star comme le sont les sportifs et les célébrités chez nous. On verra également que l’amour, c’est douloureux, encore plus quand on est dans l’armée (et pire encore si les deux ne sont pas dans le même camp). Malheureusement, on ne dispose que de 6 * 20 minutes pour exposer tout ça et on ne peut pas tout expliquer. La plupart des évènements marquant ne se refléteront que quelques secondes sur les visages des personnages secondaires. Mais si on est attentif à ce qu’il se passe en arrière plan, on se rend compte que 0080 – War in the Pocket est très bien réalisé et dispose d’une profondeur importante malgré sa petite durée. Mon prochain article concernera 08th MS Team qui est également une OVA réussie, comme quoi, les séries longues ne sont pas forcément meilleures.

Moins de 10 ans après la série originale, on découvre tout d’abord le choc de l’évolution de la qualité graphique. Plus de boites en carton mais des machines qui commencent à ressembler à des engins de guerre. On assiste aussi à un lifting des personnages que l’on peut retrouver dans cette suite. Amuro a bien vieilli, c’est maintenant un homme. Char, qui se fait maintenant appeler Quattro Bajeena, a fait tombé le masque et se contente maintenant de porter des lunettes de soleil (tout le temps, à se demander si les verres lui permettent de voir ce qu’il se passe autour de lui) et pas mal d’ancien personnages que l’on revoit (parfois vraiment succintement) . Bref, la qualité graphique n’a plus rien à voir avec la première série, c’est une vraie révolution de passer d’une série à l’autre, pour le plaisir des yeux.

On assiste donc à une des conséquence possible à la guerre. L’un des deux opposant remporte la victoire et doit s’occuper de la remise en place de tout le bordel, y compris les habitants vaincus. L’envie de tout contrôler, afin d’éviter une nouvelle guerre, corrompt le gouvernement et permet la création d’une unité spéciale armée qui dispose de pouvoirs bien trop importants (on reconnaitra là la trame d’un Gundam bien plus récent). Et inévitablement, quand des militaires ont trop de pouvoirs, cela provoque des abus et des révoltes. On suit donc l’évolution de Kamille Bidan au sein de l’AEUG, l’organisation de résistants qui combattent les Titans (l’unité spéciale armée sus-citée). Évolution forcée de façon un peu stupide : Jerid Messa, jeune officier Titan, s’amuse du nom de Kamille et lui annonce que c’est un nom de fillette, Kamille s’énerve et finit par voler le Gundam Mark II, originalement construit pour Jerid et s’enfuit au bord de l’Argama, l’un des vaisseaux de l’AEUG.

C’est simplifié (plus compliqué que ça quand même) mais je n’ai pas vraiment aimé le début de cet anime (et le début, ça tape dans la vingtaine d’épisodes). On assiste à la période rebelle d’un adolescent newtype (bien qu’il ne l’admettra que bien plus tard) et on doit subir ses humeurs pendant pas mal d’épisodes. Malheureusement pour les membres de l’AEUG, les talents de Kamille en font très vite un pilote irremplaçable (un peu comme Amuro…) et force est d’admettre que son évolution sera encore plus marquée et marquante que celle de son prédécesseur. Elle se verra d’autant plus qu’au cours de la série, on retrouve l’un des trois mioches qui m’agaçaient dans la série précédente : Katz ; il a grandi, il a appris à piloter des méchas mais il est suffisament énervant pour faire passer Kamille pour un vieux sage qui a tout vécu.

A mon sens, l’histoire de ce Gundam est très sympathique, les divisions et trahisons politiques sont bien rendues (notamment quand on assiste à l’arrivée d’une troisième entité qui se veut l’héritière de Zeon). L’histoire, bien que secondaire, de Char laisse présager un bon avenir pour lui. Les combats sont agréables à regarder, entrainant et d’une violence qui n’a rien à envier au précédent opus. Cependant, j’ai encore plus eu l’impression de subir les caractères des personnages. Ce n’est pas une mauvaise chose en soi : les personnages ont tous des caractères bien trempés et ils y restent fidèle tout au long de l’histoire. Mais voir un Jerid qui passe de la conviction profonde “Je vais diriger les Titans pour en faire un groupe sage et utile” à l’obsession beaucoup moins glorieuse “Je vais tuer Kamille Bidan” nuit sincèrement au personnage. Char a son moment de gloire au milieu de la série mais n’est que trop peu exploité ensuite dans l’anime de Zeta (c’est dommage, c’est quand même un fait extrêmement marquant de l’univers). On a également droit à la surenchère des malheurs qui peuvent arriver aux uns et aux autres : perte de l’être aimé (voire même des êtres aimés), trahison de l’être aimé, attitude ultra-possesive de la copine, désespoir de la cause que l’on défend…. Même Haro en prend méchamment pour son grade dans Zeta que ça soit des insultes ou encore des coups de pieds, de poings…

Malgré tout, Zeta reste très prenant à partir d’un certain point, quand on a réussit à passer la première moitié. On se surprend à compatir pour les personnages même s’ils font des choix qui mériteraient des baffes. Les méchas ont quand même pas mal la classe ! On veut savoir quel va être le dénouement final. Qui va l’emporter ? Qui va mourir (oui y’a des morts) ? L’AEUG prendra-t-elle un nom plus simple à prononcer ? L’ordre établi peut-il être renversé si facilement ? Quelles méthodes vont utiliser les différents leader pour l’emporter ?  Bref, une série à voir malgré tout même s’il faut s’accrocher au début et où on peut regretter un petit peu de ne pas voir plus Amuro qui malgré ses moments pleurnichard a quand même bien la classe maintenant qu’il a grandi (encore que… quand on regarde comment ça s’est passé dans SEED Destiny, on ne peut pas regretter son absence).

Commençons par le contexte : 20th Century Boys est un film en 3 parties (dont la première a bénéficié d’une sortie exceptionnelle en France dans pas moins de 8 salles…), directement tiré du manga du même nom de Urasawa Naoki (l’auteur plus connu en France pour Monster). Manga en 22 tomes + 2 supplémentaires de 21st Century Boys, la suite directe, obligatoire à lire pour connaitre la fin de l’histoire donc qui peut être considéré comme les deux derniers tomes.

Un gros défi donc : 3 films pour 24 tomes. Et comme on pouvait s’y attendre, l’histoire complète est coupée au couteau. Ne vous méprenez pas, c’est bien fait. Je dirais même que pour du cinéma japonais, c’est exceptionnellement bon. Mais évidemment, il a fallu faire des choix et se passer de beaucoup de moments. Notamment les mises en scènes de l’intrigue et des personnages. Ce qui rend la compréhension assez difficile si l’on ne connait pas l’histoire avant. 20th Century Boys comprend en effet, beaucoup de personnages, même sans compter les personnages secondaires (et il y en a beaucoup).
Effectivement, la première partie du film est assez difficile à suivre. On se perd un peu dans les noms des nombreux personnages et dans les divers flashbacks. Mais le tout reste quand même fort agréable et pour peu qu’on s’accroche, tout à fait compréhensible.

Justement parlons de l’histoire. Kenji Endo est un japonais comme les autres, manager d’un petit magasin qui se fait régulièrement martyrisé par son patron. Il doit s’occuper de sa mère et de l’enfant de sa sœur. Une vie tout à fait banale donc. Cependant, c’est en allant porter des commissions à l’un de ses clients qu’il découvre un symbole qui lui rappelle vaguement quelque chose. Souvenir qu’il ne retrouvera que lors d’une réunion d’anciens élèves où ses anciens camarades lui explique qu’une secte utilise ce symbole et que c’est lui et ses amis  qui l’ont inventé quand ils étaient petits. Ce qui était alors un délire de gosse à propos d’un groupe maléfique qui veut conquérir le monde se transforme alors en réalité. C’est alors que commence la quête de Kenji pour découvrir ce qu’il se trame : Ami (Tomodachi en VO) est le gourou d’une secte qui grandit de manière inquiétante et qui réalise tout ce que Kenji et ses amis avaient écrit dans le “livre des prédictions”.

Kenji est donc le héros de l’histoire mais ne peut rien faire seul et constitue rapidement un petit groupe de résistance composé de ses plus vieux amis pour lutter contre cette secte dont le but, si l’on en croit le livre des prédictions, est la conquête du monde. Et on est parti dans l’histoire. Cependant, le temps d’en arriver là, on a déjà passé une heure dans la salle de cinéma. Car oui, le film dure 2h20 et est à la hauteur du cinéma japonais : lent ! L’introduction est longue et pourtant, on est loin de tout de suite comprendre qui est qui dans l’histoire. Cependant, on finit par dépasser l’intro et rentrer à plein pied dans l’intrigue. Et là, ça avance. La narration reste lente, mais ça laisse le temps nécessaire pour digérer les informations et le complot qui se présente devant nos yeux ébahis. Et le final est suffisamment prenant pour nous faire oublier le temps passé et donner l’envie de voir la suite.

Au niveau de l’adaptation : rien à dire. On s’y croirait ! Les acteurs sont d’une ressemblance impressionnante. Et je vais insister là-dessus. Non seulement les acteurs ressemblent à leurs homologues sur papier (et ça, j’en sais en fait rien puisque j’ai à peine entamé le manga aujourd’hui), mais les versions enfant et adulte d’un même personnage sont extrêmement bien trouvées ! On reconnaît sans grande peine qui est qui (et vu le nombre de choses qui nous échappent, on est content de pas se paumer sur ce sujet).
L’ambiance est très bien rendue et l’histoire est tout à fait respectée. On perd beaucoup de détails de l’histoire mais on garde le principal, et on le garde bien donc tout va bien.

Au final, on a un film d’une qualité impressionante  qui donne clairement envie de voir les suivants. On espérera juste qu’ils passeront en France malgré le peu de public près à recevoir ce type de film (la campagne de pub n’ayant pas été très présente…).

J’avais encore quelques petites chose à rajouter, mais j’ai assez retardé la parution de cette article pour pas insister. Ma conclusion sera donc la suivante : Un film excellent, qui donne envie de voir les suivants et de lire son homologue papier.

Si je vous dis Misheard Lyrics, ça vous parle ? Pour ceux dont c’est pas le cas, voilà le principe. Vous prenez une chanson aux paroles incompréhensibles (généralement ça se traduit par : pas dans votre langue maternelle), au hasard Caramell Dansen, Dragostea din tei ou encore Wishmaster, et vous essayer d’y entendre vos propres mots.

Mais mon grand préféré dans le genre, celui que tout le monde devrait connaître par cœur et se faire un devoir de chanter régulièrement tout seul devant son pc, c’est le détournement de l’Hymne National Russe.

Et n’oubliez pas que Larson, il aide, il raidit, mais surtout… Il impose sa valise !

On va commencer par le premier constat : ça a beau dater d’il y a 4 ans, c’est toujours une grosse claque graphique dans la gueule. C’est beau, on ne se lasse pas de voir Cloud conduire sa moto, on s’émerveille devant les arguments de Tifa, on applaudit la classe de Vincent, on se marre grace à Reno et Rude. Ça, ça n’a pas changé. Les 30 minutes sont réellement des ajouts et notamment plein de détails : le passage dans le cratère est plus long, on a le temps d’apercevoir le combat qui s’y déroule, le combat final est plus sanglant (et par conséquent plus classe), plein de petites choses agréables.

MAIS SURTOUT le personnage de Denzel (le petit garçon recueilli par Tifa) est beaucoup plus développé ! On apprend son passé : comment il est arrivé chez Tifa, pourquoi il respecte Cloud, ce qu’il pense et sa façon d’agir face aux évênements. Et rien que ça, même si ça n’a l’air de rien, ça ajoute une énorme valeur au film. On passe d’une simple suite à FF VII assez peu compréhensible pour ceux qui n’étaient pas fan du jeu à un film qui se laisse regarder, avec une histoire compréhensible et sympathique. On finirait même par se dire “Tiens, ils pourraient sortir un jeu dont Denzel serait le héros”.

Ces ajouts sur le personnage de Denzel pourraient déjà suffire à simplifier l’histoire en la rendant plus fluide et plus agréable mais ces 30 minutes ne s’arrêtent pas là. Elles permettent de découvrir que la première version avait été coupée au couteau. Grace aux ajouts, on comprend beaucoup mieux les situations dans lesquelles les personnages se retrouvaient comme par magie. Le dernier acte du film de Rude et Reno était classe mais peu logique dans la première version ; il prend réellement tout son sens maintenant avec un enchainement d’évênement logique et cohérent.

En résumé, si pour moi FF VII : Advent Children était déjà une très bonne suite au jeu, malgré les critiques qu’il a pu recevoir, FF VII AC Complete est un must que toute personne ayant fini le jeu se doit de voir pour profiter pleinement d’une conclusion à l’histoire. Cet ajout au film permet à mon sens de ne plus avoir le sentiment de brouillon et d’incompréhension que les moins assidus ont pu reprocher à ce film exceptionnel (oui Naouak, c’est à toi que je parle).

Nous avons donc à droite Satou Sei et son premier amour (oui oui, y’a aussi des relations homosexuelles explicites dans Marimite) Kubo Shiori. Et à ma gauche, la calme Toudou Shimako et sa petite soeur Nijou Noriko.

Clamp, le retour de X. Avec LE couple officiellement yaoi : Subaru et Seishiro. Couple également protagoniste du manga Tokyo Babylon et qu’on pourra plus ou moins retrouver dans Tsubasa Chronicle.